Roni Roduner widmet sich seit 1964 der Kunst der Bildhauerei und Zeichnung. Er ist ein aufmerksamer und hochsensibler Künstler, der eine einzigartige Synthese aus Rationalität und Leidenschaft verkörpert. In seiner Person existieren der akribische Architekt und der freie Künstler in harmonischer Koexistenz.
Für Roni Roduner hat das Zeichnen eine tiefere Bedeutung: Es bedeutet, sich selbst in Frage zu stellen, in der Einsamkeit seines Ateliers zu reflektieren und jeglichen Zwängen zu entfliehen. Diese Einsamkeit ist nicht kontemplativ, sondern aktiv. In seinen Werken, insbesondere den «Black Bodies» (b.b.), an denen er seit 2003 mit außerordentlicher Geduld arbeitet, werden Zeichnungen zu minimalistischen Architekturen, reinen Strukturen, «amorphen» Formen und neuerdings auch zu Texturen, die sich in einer in der Zeit schwebenden Statik offenbaren.
In den Tausenden von Strichen zeigen sich die Elemente einer Reflexion die in jedem von uns stattfindet. Die Leinwand wird zur Agora, zum Ort des Austauschs, in dem der kritische, sich verändernde und transformative Dialog als Antwort auf die überorganisierte Formgebung des kontrollierten Lebensraums stattfindet.
Für Roni Roduner hat das Zeichnen eine tiefere Bedeutung: Es bedeutet, sich selbst in Frage zu stellen, in der Einsamkeit seines Ateliers zu reflektieren und jeglichen Zwängen zu entfliehen. Diese Einsamkeit ist nicht kontemplativ, sondern aktiv. In seinen Werken, insbesondere den «Black Bodies» (b.b.), an denen er seit 2003 mit außerordentlicher Geduld arbeitet, werden Zeichnungen zu minimalistischen Architekturen, reinen Strukturen, «amorphen» Formen und neuerdings auch zu Texturen, die sich in einer in der Zeit schwebenden Statik offenbaren.
In den Tausenden von Strichen zeigen sich die Elemente einer Reflexion die in jedem von uns stattfindet. Die Leinwand wird zur Agora, zum Ort des Austauschs, in dem der kritische, sich verändernde und transformative Dialog als Antwort auf die überorganisierte Formgebung des kontrollierten Lebensraums stattfindet.
C.V.R
Biografie
1944, geboren in Altstätten, St. Gallen, Schweiz
1951 - '61, obligatorische Schule, Altstätten
1961 - '64, Lehre als Hochbauzeichner im Büro des Architekten Hans-Rudolf Dietschi in Buchs, St. Gallen
1964 - '68, arbeitete als Mitarbeiter bei den Architekten Hans Zwimpfer und Walter Maria Förderer in Basel. Gleichzeitig besucht er die Kunstgewerbeschule in Basel
1968 - '69, Stipendium der Stadt Basel für ein Praktikum bei den Bildhauern François Stahli in Paris und Giò Pomodoro in Mailand.
Seit 1969 verheiratet und später Vater von drei Kindern.
1969 - '71, künstlerische und gestalterische Arbeit bei Architekt Prof. Dolf Schnebli in Agno
Seit 1971, eigenes Atelier in Arzo
1971 - '76, Assistent an der ETH Zürich bei den Professoren Walter Custer, Benedikt Huber und Ernst Studer
1976, Erwerb des REG-A in Zürich.
1978 - '86, Dozent für Farbtheorie und dreidimensionale Gestaltung am CSIA (Kunstgewerbeschule) in Lugano
1986 - 2009, Dozent für Entwurf und Bautechnik an der SUPSI (Fachhochschule Südschweiz)
Verschiedene Studienreisen in europäische Städte, Afrika, Amerika und Asien mit längeren Aufenthalten in Nepal.
1951 - '61, obligatorische Schule, Altstätten
1961 - '64, Lehre als Hochbauzeichner im Büro des Architekten Hans-Rudolf Dietschi in Buchs, St. Gallen
1964 - '68, arbeitete als Mitarbeiter bei den Architekten Hans Zwimpfer und Walter Maria Förderer in Basel. Gleichzeitig besucht er die Kunstgewerbeschule in Basel
1968 - '69, Stipendium der Stadt Basel für ein Praktikum bei den Bildhauern François Stahli in Paris und Giò Pomodoro in Mailand.
Seit 1969 verheiratet und später Vater von drei Kindern.
1969 - '71, künstlerische und gestalterische Arbeit bei Architekt Prof. Dolf Schnebli in Agno
Seit 1971, eigenes Atelier in Arzo
1971 - '76, Assistent an der ETH Zürich bei den Professoren Walter Custer, Benedikt Huber und Ernst Studer
1976, Erwerb des REG-A in Zürich.
1978 - '86, Dozent für Farbtheorie und dreidimensionale Gestaltung am CSIA (Kunstgewerbeschule) in Lugano
1986 - 2009, Dozent für Entwurf und Bautechnik an der SUPSI (Fachhochschule Südschweiz)
Verschiedene Studienreisen in europäische Städte, Afrika, Amerika und Asien mit längeren Aufenthalten in Nepal.
Gruppenausstellungen
1969, Basel, Kunsthalle, "Für Veränderungen aller Art". 1973, Solothurn, Kunstgewerbeschule, "movimento 22". 1975, Lugano, Villa Malpensata, "movimento 22". 1976, Barcelona, Centre d'estudis d'art contemporani, "Premi internacional de dibuix Joan Mirò". 1976, Pamplona, Caja de Ahorros de la Navarra, Auswahl für den Barcelona-Preis. 1977, Locarno, "movimento 22". 1978, Bigorio, "movimento 22". 1979, Arzo, Galerie Imholz. 1985, Sitten, Musée cantonal des Beaux-Arts, "Artistes tessinois contemporains". 1993, Madrid, Museo Español de Arte Contemporaneo, "Ticino hoy". 1994, Locarno, Galerie SPSAS. 2017, Must Gallery Lugano. Sergio Emery & Roni Roduner, "Tracce".
Einzelausstellungen
1978, Bosco Luganese, Galleria del bosco. 1979, Lugano, Galleria Giuliana Pelli. 1998, Mailand, Galleria AAM. 2013, Lamone, Galleria-Studio di architettura Meyer-Piattini "Black Bodies". 2014, Chiasso, Galleria Mosaico "Black Bodies". 2014, Freiburg, Galerie Hofstetter "Black Bodies". 2023, Villars-Sur-Glâne, Wohnhaus-Galerie de Monique van der Roer et Luke Gillon, "Kunst und Architektur — ein Monolog".
Roni Roduner, Malerei als Klang - von Prof. Dr. Graziano Martignoni
Roni Roduners "Black Bodies" sind Arbeiten, die auf großen Leinwänden in einer endlosen und fast unerschöpflichen Wiederholung kleine stilisierte Figurinen skizzieren, Körper, die in Schwarz und Grau kaum umrissen sind, als wären sie musikalische Noten, winzige Körper, Zeichen menschlicher Präsenz, als wäre die menschliche Figur selbst noch nicht da oder vielleicht schon von der Oberfläche der Welt verschwunden.
Auf den ersten Blick scheint es eine blinde Figuration zu sein, doch sie eröffnet Lichtblicke auf die Welt, die im Begriff ist, zu entstehen oder zu vergehen. Ein 2003 begonnenes Gesamtwerk, ein erstaunliches, beeindruckendes Werk. Es ist ein spannender Halt für alle, die sich nicht mit dem Sehen begnügen, sondern eine Vision suchen. Eine Vision, die der (scheinbar immer gleichen) Leinwand entspringt, wenn man sich nur darauf einlässt, über das hinauszuschauen, was die Leinwand zu zeigen oder vielleicht zu verbergen scheint, um einen sehen zu lassen. Erstaunlich, nicht nur wegen seiner unbestrittenen schriftstellerischen Qualität, sondern auch wegen seiner Fähigkeit, etwas geschehen zu lassen, ein Ereignis der Welt, das noch nicht dargestellt wurde, das aber den ursprünglichen Klang seiner Entstehung wiedergeben kann, als es noch keine Formen gab und alles ein pulsierendes Brodeln war.
Roduners Werk erscheint so als eine Art musikalische Partitur der Ursprünge, auf der Suche nach jenem Urklang, aus dem alles entstanden ist. Roduner hatte damit begonnen, seine “Black Bodies" zu stilisieren, indem er sie in eine architektonische Ordnung einordnete, vielleicht ausgehend von seinem Beruf als Architekt, aber dann dehnten sich dieselben kleinen Bilder, als hätten sie seine Hand ergriffen, auf der Leinwand aus, besetzten ihre Räume, lösten sich von den vorgegebenen Formen und markierten eine brodelnde Zeitlichkeit. Dies scheint mir der Weg der Arbeit von Roduner zu sein, die Zeichen durch endlose Wiederholung minimiert. In den letzten Werken scheint alles zu explodieren, denn es erscheinen "Zwiebeln", die bereit sind, Lebenszeichen von sich zu geben, so wie im Frühling die ersten Blumen den Boden durchstoßen und zum Vorschein kommen. Fast eine Art "Kreißsaal" der Welt, dessen Takt durch das grafische Schild angezeigt wird. Die Welt, die durch die erste Opazität dargestellt wird, setzt sich in Bewegung in Richtung auf etwas, das wir noch nicht kennen, und vielleicht in Richtung auf etwas, das auch der Künstler noch nicht kennt. Der Betrachter wird in die Leinwand hineingezogen, die auf den ersten Blick nichts Verführerisches an sich hat, und, sobald er von den vorgefassten Bildern befreit ist, zum Ereignis gerufen. Auf den ersten Blick scheint alles starr und repetitiv zu sein, aber stattdessen ist alles im Fluss, das Leben selbst ist in Bewegung. Aber woher kommt das alles?
Um ihn besser verstehen zu können, müssen wir kurz zwei Dinge über den Werdegang dieses Architekten und Künstlers sagen, der als Künstler in den Ateliers von François Stahli in Paris und Giò Pomodoro in Mailand geboren wurde und dann viele Jahre lang als Architekt und Dozent an der Architekturabteilung der SUPSI tätig war. Ein Künstler, der jetzt, nach seiner langen und glänzenden architektonischen Saison, in den Worten von James Hillman, seinen authentischsten Daimon wiederentdeckt hat, der ihn gesehen hatte, bevor er ein Formenbauer war, ein Künstler. Es gibt jedoch etwas in seiner Biografie, das noch aufschlussreicher über seine Arbeit ist. Es sind seine Erkundungen im Osten, entlang der Himalaya-Routen und seine Nähe zu dem japanischen Architekten Tadao Ando. Beide setzen trotz ihrer offensichtlichen Distanz den Blick auf die Stille und hinter die Stille jener Berge und Andos architektonischen Linien, die mit dem Licht zu spielen scheinen, auf das ursprüngliche Klopfen, das Roduner auf der Leinwand wiedergibt. Die Wiederholung der Geste seiner "schwarzen Körper" scheint an die "Mantras" der vedischen und tantrischen Welt zu erinnern. Mantra", ein Wort, das sich aus der Sanskritwurzel "man" (lateinisch mens) für "denken" und dem Suffix "tra" für "Instrument" zusammensetzt.
Die Wiederholung seiner “Black Bodies" ist hier ein echtes "Instrument des Geistes" jenseits dessen, was wir sehen können, und gleichzeitig, wie im alten Ritual, ein Akt der Geburt der Welt, eine echte "Kosmogenese". Roduners Leinwände sind daher mit Verwunderung über das, was geschehen wird, zu betrachten. Eine Kunst, wie die von Roduner, die eine Ermüdung des Blicks erzwingt, die aber versucht, jenseits des sterilen Konzeptualismus, der heute so in Mode ist, zu den wesentlichen Wurzeln der Dinge vorzudringen.
Roduner’s Anregungen - von Gian Franco Ragno
Normalerweise suchen die Kunstkritiker nach der Herkunft, nach langen Korrespondenzen im Werk eines Autors. Vielleicht in der festen Überzeugung, dass es möglich ist, einen Künstler auf einer imaginären Karte der Stile zu platzieren, in einer Art unmöglichen Geographie. Nützlicher und bereichernder ist es, zu versuchen, einen künstlerischen Weg zurückzuverfolgen, der oft auch ein menschlicher ist, um nicht so sehr zu festen Punkten zu gelangen, sondern zu Anregungen anderer Art, die nicht nur auf die Disziplin der Kunst beschränkt sind. Dies ist der Fall von Rodi Roduner, einem adoptierten Künstler aus dem Tessin, einem Architekten, dessen Ausbildung - in den 1950er Jahren in der Ostschweiz - noch einen humanistischen Anstrich hat; verbunden mit der Praxis, ja, aber gleichzeitig bereichert durch Anregungen eines breiten kulturellen Spektrums; eine Ausbildung, in die, wie man sagen muss, auch die kulturelle Vitalität der 1960er Jahre einfloss, mit Aufenthalten in Paris und Mailand.
Roni Roduner hat diese Interessen während seiner gesamten Laufbahn als Architekt beibehalten, in der er schlichte und essentielle Gebäude entworfen hat, die in der Lage sind, sich in die Umgebung einzufügen, ohne die bestehende Form zu entstellen. Diese Dimension des Berufs eröffnet Verbindungen zu den Überlegungen des Gelehrten Richard Sennett, eines Schülers von Hanna Arendt. Er untersucht einen der wichtigsten Aspekte unserer Gegenwart, nämlich die ethische Dimension der Arbeit, indem er die Praxis, die praktische Erfahrung, auch unter einem konzeptionellen Gesichtspunkt neu bewertet, und zwar als die Fähigkeit, ein Problem zu erschließen, es zu erforschen, seinen Inhalt und seinen Zweck zu untersuchen.
Sich einem Artefakt mit Hingabe zu widmen, ein Begriff, den Sennett häufig verwendet, impliziert mehr als nur eine ausführende Tätigkeit. Dies gilt auch vor dem Hintergrund der Degeneration einer spekulativen Wirtschaft. Der Exkurs, den wir gerade gemacht haben, führt uns zu einem genaueren Verständnis von Roduners Arbeit. Er ist immer noch ein Handwerker im edelsten Sinne des Wortes, der auf das kleinste Detail seiner Arbeit achtet. Vom Schneiden des Papiers bis zur Vorbereitung der Leinwand, vom Anspitzen der Bleistifte bis zur täglichen Übung seiner eigenen Herstellung. Wenn man sein Werk genau analysiert, stellt man fest, dass das Blatt nur eine leichte Vorbereitung erfährt, die aus einigen horizontalen Linien besteht - als wären sie eine Spur, die Linien einer Partitur, die leichten Furchen eines Pfluges. Dann umreißt der Bleistift mit einer stark wiederholten, konzentrierten und rituellen Geste die Leerstelle innerhalb der durch die beiden parallelen Linien vorgegebenen Bedingungen. Ein Werk, sei es auch noch so einfach und repetitiv, ist die Suche nach einem Gleichgewicht, das nicht nur künstlerisch ist, sondern auch Konzentration und die bereits erwähnte Hingabe voraussetzt. Der Bleistift selbst erinnert an eine immerwährende Projektivität, er antwortet auf den Akt, indem er sich selbst verbraucht und darum bittet, gedreht zu werden, um seinen Weg fortzusetzen. Das Ergebnis ist ein fast nicht greifbares Werk, ein dichtes Netz von Graffiti-Spuren, eine Art Nebel, in dem der Betrachter einen Halt, eine Oberfläche sucht. Ein Klettersteig.
Einige Werke erscheinen vehementer, sie zwingen sich dem Blick auf, indem sie Acryl als Material für das Zeichen verwenden; andere füllen einen Umriss in einer Art Zwiebel aus und hinterlassen sozusagen den Eindruck, fast die Erinnerung, vor einer Art "Stele di Rosetta" zu stehen. Im Großen und Ganzen handelt es sich um minimale Werke, bei denen alles Unwesentliche bereits entfernt wurde, wie es zuvor in seiner Architektur der Fall war. Sicherlich handelt es sich um Werke, die einen anderen Begriff nahelegen, der aus der Mode gekommen ist: Disziplin.
Max Frisch definierte sie im Gottesdienstheft als das "Bewusstsein der Selbstverfügung", das gerade in der Auferlegung von Opfern unerwartete Ergebnisse hervorbringt. Natürlich ist, wie bei jeder zeitgenössischen Kunst, der Zuschauer der eigentliche Akteur der Vision. Ohne die Hilfe von Subjekt oder Titel ist er selbst in der Lage, die Bedeutung aufzuspüren. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Endergebnis meiner Meinung nach nicht rein malerisch, sondern konzeptionell ist; in den Gemälden findet sich die Erfüllung eines universellen Bestrebens der Künstler (vom Futurismus bis zur Land Art), nämlich das Werk und die Existenz des Autors zusammenfallen zu lassen, das Binom Kunst und Leben auszudrücken. Ihre Tiefe liegt darin, dass sie in der Lage waren, einen langen Weg von Lehren, Erfahrungen und gelebter Erfahrung in eine bestimmte Form zu destillieren.